WONJUNG CHOI: Chimeras 1 in Armor
The experience of arriving in a new world can be described akin to that of descending underwater; treading
alive with only a muted sense of ones surroundings. It is an analogy artist WonJung Choi (b. 1976)
frequently uses to describe the realisms with which her artistic practice contends. Such as a fish on land,
thrust from a two-dimensional to three-dimensional existence, the journey to the West — from Seoul,
South Korea to New York City, United States — in her later years, was one which inevitably upturned the
artist’s worldview and creative practice. And it is perhaps a paradox relatable to all generations of
immigrants, the desire to alter yet protect ones identity where everything is foreign, including oneself. For
the artist, an ever metaphorical, imaginative thinker, this desire embodied the need to acquire horns, fins,
wings, and other “mutations” for survival at the margins. Choi’s works thus play adeptly on a multitude of
tensions while embracing hybridity as form, moving fluidly between feminine and masculine, nature and
culture, internal and external, ephemeral and enduring, through macroscopic and microscopic worlds. From
lace-like copper fish sculptures frozen in crystalline resin, fantastical creatures constructed of armor and
historical silverware, to glistening schools of transparent fish floating in air, the artist’s multi-medium
practice utilizing disposable everyday materials to Swarovski crystals, can be adapted to seemingly any
environment, from museum-grade glass baubles, to free-floating immersive installation.
Choi’s prolific, labor-intensive practice has also long been informed by equally intensive research-based
processes. When the search for “a certainty” in a new bizarre environment led the artist to studying bone
structures, the fish — an enduring symbol imprinted within the oldest cultural and fossil records in the
world — increasingly became a reoccurring metaphor in her work. Earlier projects include large-scale
suspended installations 1 fig1 of skeletal outlines drawn in hot glue on thin plastic or plexi. Though fragile with
feather-like levity, there is a sensibility of ethereal permanence to such works, as each form casts a
glistening shadow on the ground.
fig1 Fish + Feather, 2006, 2009 hot glue, plastic, string, dimensions vary In more recent series, Choi turns to historically precious materials, embarking on an investigation of Western armor and vintage silverware heirlooms, from which the artist intricately hand-crafts armor for fish. Fish in this case, take on different traits and characteristics, an allusion to the artist’s own continuous evolution. After spending hours at the Metropolitan Museum in the medieval wings, Choi recalls being captivated by the full suits of armor. Though a symbol for kings, victory, and manhood, armor also served a fundamental purpose as protection against external forces. The works that currently make up Choi’s distinct oeuvre are thus a combination of animal hybrids that have evolved polished protective shells. In her studio, chainmail, silverware with the faces of American presidents, and other U.S. historical figures have deftly been interwoven into several armored chimeras. Here, silverware is recognized in its lineage within a Western heritage, yet the artist has transformed singular fragments into complex compositions with a deeply personal sensibility. It is interesting to note, that unlike the appropriation of Qing porcelain wares by the Dutch, mass produced in Orientalist reverence, Choi creates her mystical hybrid entities born of Western traditions with a deft, nostalgic touch, as if preserving her own heritage.
Despite the sturdiness of metal and armor as material choice, there is a resounding changeability and weightlessness to the work. And as the progression of series titles over the years suggest, Choi’s artistic progression increasingly plays on a “-less” sensibility, (from Mindless Particlesfig2, Speechlessfig3, Breathlessfig4, to most recent recently, Fearless), of loss that also seems a removal of baggage. During the first years of living in the U.S., disconnects in language and perception often left Choi with the bitter aftertastes of frustration and resentment. Now having lived a majority of her life in-between, the artist has embraced the resounding parallel in her work, citing the words of Homi K. Bhabha describing the global epoch: “in-betweenness is a fundamental condition of our times.” Though the idea of evolution has played an integral part in her life’s work, Choi seems to have made peace with the paradox of hybridity. If still underwater, she has certainly acquired the adaptations to not only survive, but also flourish. And if culture itself is a survival mechanism, then hybridity offers even greater vantage points for survival. “At the beginning I wanted to adapt and assimilate, but now I don’t want to. It’s as if I want to protect and prevent my own identity from further change,” the artist muses in her studio. In this way, Choi’s works ultimately turn an introspective lens onto the core of identity and being. While her chimeras create a multiplicity of ever-evolving exteriors, it is the body inside which swims the ocean, flies the air, and walks the earth.
Danni Shen
Writer, Curatorial Assistant | Empty Gallery in Hong Kong
Water/Breathless, 2012, glass, water, copper plate, dimensions vary(Ultimately, 2012, single channel video)
Breathless(detail), 2010, glass, copper Plate, dimensions vary최원정: 갑옷을 입은 키메라(Chimera)
새로운 세상으로 들어간다는 것은 서서히 깊어지는 물에, 감각 없는 무딘 발을 내딛는 것과 같다. 이는 최원정 작가가 펼치고자 하는 작품세계와 자신이 처한 현실세계를 유추할 때 자주 사용하는 말 이다. 마치 육지에 올라 온 물고기처럼, 이차원의 세상에서 삼차원의 세상으로 떠밀려 온 존재처럼, 서울에서 뉴욕으로 건너 온 그녀의 여정은 작가의 세계관과 창조관을 뒤집어 놓기에 충분했다. 주변환경은 물론 자기 자신마저 낯설게 느껴지는 곳에서 변화를 꿈꾸는 동시에 정체성을 지키고자 하는 열망은 모든 이방인들이 공감하는 역설일 것이다.
이러한 갈망은 은유적인 표현력과 풍부한 상상력을 지닌 사색가 최원정 작가로 하여금 살아가기 위해 필요한 뿔과, 지느러미, 날개 그리고 다르게 진화 한 돌연변이들을 찾게 하였다. 그리하여 작가는 다양한 긴장의 요소들 중에서 여성과 남성, 자연과 문화, 내면과 외면, 찰나와 영원 사이를 아우르며, 거시적이며 미시적 관점에서 능숙하게 작품을 혼성(hybrid)하여 담아 내었다. 크리스탈처럼 투명한 합성수지 속에 얼어버린 레이스 무늬의 구리 물고기 조각부터 역사를 간직한 은(銀)으로 만든 무기와 은제품 그리고 공중을 나는 투명하고 눈부신 물고기까지, 일상에서 흔히 쓰이는 재료부터 스와로브스키의 크리스탈까지 아우르는 그녀의 재료 선택은, 미술관 수준의 유리관 안에서 부터 자유롭게 공중에 매달려 있는 설치 작품까지, 어느 공간에서 든 빛을 발한다.
최원정의 다양한 작품들은 집약적인 노동 강도를 요함과 동시에 철저한 연구를 통하여 탄생되는 작품들이다. 새롭게 마주한 예상밖의 환경에서 “확실성(certainty)” 을 찾던 작가는 물고기의 뼈 구조를 연구하기 시작했는데, 물고기는 문화적 그리고 고고학적 측면에서 가장 오래된 화석 중 하나이며 영원과 지속(enduring)을 상징한다. 이런 은유적 의미를 가진 물고기는 작가의 작품에 반복적으로 등장한다. 그 예로, 작품 활동 초기에 전시되었던 작품들 중 얇은 플렉시글라스(plexiglas) 위에 핫글루(hot glue)로 물고기의 화석 뼈대 모양을 그려 천장에 매달았던 큰 규모의 작품fig1 이 있었는데, 이는 깃털처럼 가볍고 섬약해 보이지만 반짝거리는 그림자를 통해 영원한 천상의 모습을 보여주기도 한다.
Fish + Feather, 2006, 2009, hot glue, plastic, string, dimensions vary 작가의 손으로 정교하게 만들어진 최근작 “물고기를 위한 갑옷” 은 작가 개인의 점진적인 변화의 세계를 보여주는, 예전과는 다른 성향과 특성을 지닌 작품이다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서 중세시대 작품들을 감상하던 중 전신 갑옷에 매료 되었다고 언급한 작가는, 역사적 가치를 지닌 서구의 갑옷과 집안의 가보로 내려오는 빈티지 은제품들을 연구해오며 은제품들을 주재료로 사용하기 시작했다. 갑옷은 왕, 승리, 남성스러움 등을 대표하는 상징이기도 하지만 갑옷의 기본적 역할은 외부로부터의 자기보호이다. 작가의 최근 작품들은 모두 동물의 혼종성(hybrid)과 더불어 거기에서 진화되어 덧입혀져 완성된 보호 외피의 결합물이다. 그녀의 작업실에는 작가가 창출해 낸, 여러 점의 “갑옷을 입은 키메라” 들이 있다. 이 작업은 쇠사슬(chain mail)로 엮어 만든 갑옷과 미국의 역대 대통령들과 다른 유명 인사들의 얼굴이 새겨진 은제품들이 교묘하게 한데 어우러져 만들어진 작품들이다. 서구 문화 유산의 계보를 잇는, 자칫하면 단편적일 수 있는 은제품들을 작가는 자신만의 감성으로 깊이 있게 풀어내었다. 더더욱 흥미로운 점은, 동양적인 것을 숭경했던 네덜란드가 청나라의 자기(porcelain ware)를 도용하여 대량 생산해냈던 것과는 반대로 , 작가는 서구 문화에서 비롯된 전통적인 것을 본인의 능숙한 솜씨에 노스텔지아(nostalgic)을 더하여 작가 자신의 유산을 보존해 내듯, 자신만의 신비한 혼성 독립체(hybrid entities)를 창조해 내었다.
작품의 재료로 쓰인 금속과 갑옷은 견고함을 가졌지만 그 이면에는 굉장한 가변성과 가벼움 (weightlessness)이 내재되어 있다. 그리고 해를 거듭하며 발표된 작가의 작품 제목들은 “~less” (없음, 영향을 받지 않음, 無) 에 초점을 맞추고 있다. 생각을 잃은 파편들 Mindless Particlesfig2 , 말할수 없는 Speechlessfig3 , 숨 쉴 수 없는 Breathlessfig4, 두려움 없는 Fearless 부터 최근 작품까지에서 없음과 잃음을 표현함과 동시에 마음의 응어리를 제거하는 듯 말이다. 작가는 처음 시작한 미국 생활에서 언어와 현실 인식으로부터의 단절을 경험하였고 이는 작가로 하여금 좌절감과 분노의 쓴 뒷맛을 느끼게 하였다. 하지만 한국과 미국을 오가며 두 세상의 “사이(btweeness)”에 살고 있는 지금, 글로벌 시대를 일컬어 “사이-속(in-betweenness)” 에서 살아가는 것은 우리 시대의 기본 조건이다”라고 말한 호미 바바 Homi K. Bhabha 의 말처럼 작가는 작품을 통해 완전한 평행을 보여주고 있다. 진화라는 발상은 작가의 작품에 필수적 요소였지만, 작가는 하이브리드라는 역설로부터 마음의 평정을 얻은 듯하다. 만약 그녀가 아직도 깊은 물 아래에 있다면, 그녀는 그 물 속에서 생존뿐 아니라 융성하는 법까지 배운것으로 보인다. 그리고 “문화” 자체가 생존 매커니즘이라고 한다면 하이브리드는 그 생존력을 높이는데 더욱 더 유리한 면모를 지닌 듯하다. “처음엔 적응하고 동화되고 싶었지만 지금은 그렇지 않아요. 오히려 나의 정체성을 변화로부터 지켜내고 싶어요”라고 작가는 말한다. 결국 작가의 작품은 궁극적으로 그녀의 정체성과 존재의 핵심을 성찰하는 렌즈의 역할을 한다. 그녀의 키메라들이 각양각색으로 끊임없이 진화하는 외피를 만들어 내고 있다면 키메라 속의 내면은 바닷 속을 헤엄치며, 하늘을 날고, 땅을 걷고 있는 것이 아닐까.
다니 센
작가, 큐레이터,엠프티 갤러리 홍콩
Mindless Particle, 2008, hot glue, acrylic paint on Plexiglas, 30x40 ft.
Speechless, 2010, copper plate, synthetic resins, each 6x 11 x 7 in.