Wonjung Choi invents hybrids of human and animal, self and other. In keeping with her desire to blend contrasting forces, her works are all at once tough and vulnerable, masculine and feminine, organic and manufactured, timeless and fleeting.

Choi’s subjects and forms often are born from personal experiences, especially times of emotional intensity. Upon her arrival in the United States from her home country of Korea, she found herself on unsure ground, being unfamiliar with everything from language to cultural norms. That ongoing uncertainty and other stressors have driven her choices of subject matter and materials. For example, feeling like an outsider upon arrival in the U.S. spurred her to develop the iconography that has been an integral part of her work ever since: a fantastical fish with wings, horns, and a masked face. The mutations of Choi’s invented subject suggest a sort of Darwinian coping mechanism; the need to adapt to the environment and reinvent oneself in order to survive. Similarly, Choi’s practice of embedding her pieces into cast resin and glass arose to mirror feelings of being “frozen.”

Choi’s primary sculptural material is found silver – used platters, cutlery, and keepsake objects gifted to her and purchased from antique shops or online dealers. Often these pieces have been stamped or etched with words and symbols: names, family crests, and ornamental patterns. Choi’s interest in these objects relates to their formal qualities as well as their cultural connotations. Specifically, their gender and class associations with people of means and domestic life, as well as their service as mementos of familial heritage and legacies.

Choi flattens her acquired silver pieces and cuts them into new shapes. The resulting fragments are reassembled into different configurations, many of which are inspired by historical arms and armor. Her reference to armor relates to Choi’s impulse to protect herself during difficult periods; a metaphorical exoskeleton to help her feel fearless and secure.

In a new series, Choi has constructed silver shoes attached to plaster casts of her own feet. For approximately fifteen years, Choi has been dividing her time between Korea and the United States, resulting in a nomadic self-identity. As in other works, the silver shoes suggest a type of armor, priming her for her journeys. Their forms are reminiscent of the winged sandals of Hermes, the ancient Greek god of transitions and boundaries who can freely move between the worlds of humans and gods.

Choi’s collaged works on paper combine scanned and printed images of her own silverwork with graphite drawing. Along with images of the Virgin Mary and archangel Gabriel—all icons of the Western culture with which she continues to get acquainted—Choi incorporates people she has met with varying degrees of subtlety. Some appear as literal portraits, their faces surrounded by oval pendants or decorative tracery, while others are represented less perceptibly by images of silver once in their possession.

While the impetus for much of her work is grounded in personal experience, Choi’s art is also greatly influenced by people she encounters. Through studio residency programs and other outlets, she has met many who, spurred by her work, have shared anecdotes and personal memories of deceased family members from whom they received their silver. Some have donated pieces from their family collections for her use. Choi’s impactful interactions with relative strangers are perfectly in keeping with themes that inform all of her creations: cycles of life and death, how we collectively heal our wounds, and how memories of our gifts and losses are honored and cherished.

Lauren Ross
Curator, Virginia Commonwealth University

최원정 작가는 인간과 동물 그리고 자신과 타인의 혼성체(hybrid)들을 만들어 내는 작가이다. 상반되는 세력을 하나로 융화시키려는 그녀의 끊임없는 욕구는, 강인하면서도 연약하고, 남성적이면서도 여성적이며, 본질적이면서도 조작되고, 영원함과 찰나가 공존하는 작품들을 창조해 내고 있다.

작업의 영감은 치열한 감정을 담았던 시간들로부터 나오고 본인의 경험을 그 바탕으로 두고있다. 자신의 모국을 떠나 미국으로 온 그녀는 불확실한 곳에서, 익숙하지 않은 언어와 함께 문화적 차이를 마주했다. 그 시간 속에서 겪어낸 불확실성과 또 다른 자극적 요인들은 그녀가 만들어낸 작품들과 작품을 표현하는데 사용된 재료 선택 과정에 많은 영향을 주었다. 예를 들어, 미국에 와서 느낀 외부인(outsider)이라는 감정은 그녀의 작품에서 없어서는 안 될 구성요소가 된, 가면을 쓰고 뿔과 날개를 가진, 환상 속의 물고기라는 아이콘을 만들어내게 하였다. 작가가 창조해 내는 주제의 변화들은 주어진 환경에 적응하며 생존을 위하여 자신을 혁신해 나아가는 다윈의 진화론적 메커니즘을 제시하는 듯 하다. 또한 합성수지와 유리의 내부 공간에 조각품들을 위치시킨 작품들은 작가 자신의 얼어버린 감정들을 반영하고 있다.

작가의 최근 작품들에서 주로 등장하는 재료는 은(銀)이다. 작가는 은접시, 은식기류, 그리고 그 외의 은으로 만들어진 다양한 제품을 골동품 상점, 온라인 딜러샵 등을 통해 구매하거나 기증받았는데, 이 물건들에는 주로 문양이 음각되어 있거나, 글귀, 기호, 이름, 가문의 문장 또는 장식용 무늬들이 새겨져 있다. 작가는 이러한 오브제가 내포하고 있는 문화적 함축성과 더불어 의례적인 가치에 관심을 가졌으며 특히 은 식기라는 사물들이 반영하는 당시의 계급과 성(gender) 그리고 가정생활뿐 만 아니라 가족을 위한 나눔봉사(service)의 역할을 하던 집안의 유산이나 유물에 대한 기억과의 연관성에 매혹되었다.

작가는 은으로 만들어진 물건들을 납작하게 두드린 다음 새로운 모양으로 잘라낸다. 그렇게 새로운 형태를 갖게 된 조각들은 또 다른 배열 형태로 재조립 되며, 새로운 조합의 조각들은 역사 속에서 찾아 볼 수 있을 법 한 무기와 갑옷으로 재탄생된다. 그녀의 무기와 갑옷들은 힘겹고 두려운 시간 속에서 자신을 지켜내고자 했던, 작가의 외피를 은유적으로 보여주는 작품들이다.

작가가 한국과 미국을 오가며 지낸 지난 15년의 시간들은 작가의 유목민적 자아정체성을 형성하는데 영향을 주었다. 신작 시리즈에서는 석고로 본을 제작하여 자신의 발에 꼭 맞는 은으로 만든 신발 갑옷 작품이 소개되었는데 신발의 모양은 그리스 신화에서 변화와 경계의 신(神)으로서 인간과 신의 세계를 자유로이 넘나 들던 헤르메스(Hermes) 가 신던 날개달린 샌들을 연상 시킨다. 은으로 만든 신발은 이전의 작품에서처럼 무기와 갑옷의 연장으로 볼 수 있으며 이는 작가와 함께 지난 여정을 걸어온 것이다.

콜라주 작품들은 은 조각을 스캔 받아서 인쇄한 종이에 연필 드로잉이 어우러진 작품이다. 성모마리아, 가브리엘 천사장 등 서구문화를 대표하는 인물들과 작가가 현실 세계에서 직접 만난 사람들이 절묘하게 드로잉 속에 포함되어 있다. 작품들은 실제 초상화처럼 타원형 안이나 장식 무늬 중앙에 모습들이 배치되어 있기도 하고 음각의 문양과 겹쳐 눈에 덜 띄게 묘사되기도 하였다.

최원정의 개인적 경험들이 대부분의 작품들에 자극제 역할을 하고 있지만 , 그녀가 만난 사람들 또한 그녀의 작품 세계에 많은 영향을 끼치고 있다. 작가는 스튜디오 프로그램을 통하여서 그리고 다양한 경로를 통하여 많은 사람들을 만났고 그녀의 작품에 영감을 받은 사람들은 그들의 개인사나 지극히 사적인 가족 구성원의 인생 이야기 혹은 돌아가신 선조들의 전기를 함께 나눴으며, 그 중에는 자신들이 물려받은 은식기를 기증한 이들도 있었다. 이런 낯선이들과의 강렬한 소통은 작가가 주목하고자 하는 작품세계 - 삶과 죽음의 순환에 대해서 그리고 어떻게 우리가 우리의 상처를 공동체 안에서 치유하는지, 그리고 얼마나 우리가 명예롭고 소중하게 여긴 것들을 상실하였고 또한 그것을 인생의 선물로 간직하는지-에 지속적으로 영향을 미치고 있다.

로렌 로스
큐레이터, 버지니아 커먼웰스 대학

• @studio_wonjungchoi